Priscilla Vettese : mon interview Singulart entre pop culture, liberté et art urbain
Je suis Priscilla Vettese, artiste plasticienne installée à Paris, et je signe mes œuvres PVettese.
Le 6 novembre 2026, Singulart a publié un entretien sur mes inspirations, ma manière de créer et les rencontres entre art classique, icônes populaires et énergie urbaine.
J'y évoque notamment Pop Toy Venus, Liberty Fury, mes expériences à Spot 13 et aux Frigos, et la place qu'occupait autrefois l'hexagone dans mes compositions.
Voici les échanges de cet entretien, présentés avec les photographies qui leur correspondent. **Interview réalisée et publiée par Singulart — 6 novembre 2026.** Consulter la publication originale sur Singulart.
Une liberté créative qui s’affirme
**_Qu’explorez-vous actuellement dans votre pratique artistique qui vous enthousiasme le plus ?_**
Ce qui m'enthousiasme le plus aujourd'hui, c'est cette liberté que j'ai progressivement acquise dans ma manière de créer. J'aime faire dialoguer des univers qui, à première vue, semblent très éloignés : les personnages qui ont marqué notre enfance, les grandes références de l'histoire de l'art, les symboles du luxe et l'énergie brute du Street Art.
Je prends beaucoup de plaisir à détourner ces références, à les sortir de leur contexte habituel pour leur donner une nouvelle lecture, parfois humoristique, parfois plus symbolique.
Ce qui me passionne également, c'est de pouvoir expérimenter différentes façons de créer, en associant les outils numériques aux techniques traditionnelles.
Aujourd'hui, je cherche avant tout à approfondir mon propre langage artistique, sans m'imposer de limites. J'aime qu'une œuvre puisse faire sourire au premier regard, puis révéler des détails, des contradictions ou des émotions que l'on n'avait pas nécessairement perçus immédiatement.
Pop Toy Venus : faire dialoguer art classique et culture populaire
**_Y a-t-il une œuvre en particulier sur votre profil Singulart qui représente le mieux votre pratique aujourd'hui ? Dites-nous pourquoi vous l'avez choisie._**
Il m'est difficile de choisir une seule œuvre, car ma pratique artistique explore différentes techniques et sensibilités. Je dirais que deux créations représentent particulièrement bien mon univers actuel : Pop Toy Venus et Liberty Fury.
Pop Toy Venus reflète mon attachement à l'Histoire de l'art, notamment à l'art classique italien, dont j'aime la beauté, l'élégance et la sensibilité. J'ai voulu faire dialoguer cet héritage avec l'univers des figurines LEGO à collectionner et l'énergie colorée, spontanée du Street Art. Ce mélange entre tradition et pop culture illustre ma volonté de faire coexister des univers très différents, sans les opposer.
Pop Toy Venus — rencontre entre peinture classique, figurine et énergie urbaine.
Liberty Fury : la liberté, le mouvement et le joyeux chaos
*Suite de la réponse précédente, consacrée à Liberty Fury.*
Liberty Fury, une grande toile de 100 × 81 cm entièrement dessinée et peinte à la main, représente une autre dimension essentielle de mon travail : la liberté, le mouvement et la joie de vivre.
On y découvre Mario et Peach s'élançant vers de nouvelles aventures à bord d'une Formule 1 Ferrari. Peach s'accroche aux épaules de Mario, tandis que les sacs de luxe et les pièces de monnaie inspirées de l'univers Mario s'envolent autour d'eux. Cette scène traduit cette envie de s'affranchir des codes, du matérialisme et des conventions pour privilégier l'aventure, la spontanéité et la liberté.
À travers cette composition pleine de mouvement, de couleurs et de détails, j'ai voulu faire ressentir un joyeux chaos, une énergie presque contagieuse.
Ces deux œuvres sont différentes dans leur approche, mais elles partagent ce qui me définit aujourd'hui : le détournement des références culturelles, la rencontre entre plusieurs univers et cette liberté de créer des images qui racontent une histoire tout en laissant place à l'imaginaire de chacun.
Mes créations utilisent des références à la culture populaire comme matière artistique et ne constituent pas une collaboration officielle avec les marques ou les ayants droit représentés. On retrouve ce dialogue dans mes tableaux Pop Art.
Liberty Fury — liberté de mouvement et détournement des icônes populaires.
Des influences multiples à un langage personnel
**_Quelles expériences, quels lieux ou quels moments ont le plus influencé l'artiste que vous êtes aujourd'hui ?_**
Je pense que mon identité artistique s'est construite à travers des influences très différentes, parfois même opposées.
J'ai toujours été sensible à la peinture de Monet et de Van Gogh, à leur manière de faire vivre la couleur et de transmettre une émotion. Des artistes comme Basquiat, Pollock ou Joan Mitchell m'ont également marquée par leur liberté gestuelle et leur façon d'affirmer un langage personnel.
Paris occupe aussi une place importante dans mon parcours. J'aime cette ville pour ses contrastes, son histoire artistique et l'énergie de sa scène urbaine. Les graffitis, les murs qui se transforment et les rencontres entre différentes cultures visuelles nourrissent naturellement mon imaginaire.
Mais au-delà de ces influences, ce sont mes propres expériences et mon évolution personnelle qui ont façonné mon travail. Avec le temps, j'ai appris à faire davantage confiance à mon instinct, à accepter les imprévus et surtout à ne plus chercher à entrer dans un cadre artistique prédéfini.
**_Y a-t-il une histoire sur votre parcours artistique que les gens ne connaissent pas en général, mais qui a façonné l'artiste que vous êtes aujourd'hui ?_**
Ce que l'on ne devine pas toujours derrière mes œuvres colorées, décalées et parfois pleines d'humour, c'est que mon rapport à la création est profondément personnel.
Pendant longtemps, j'ai ressenti ce besoin de trouver un équilibre entre la maîtrise de mes compositions et la liberté de créer. Cette recherche s'est notamment traduite dans mes premières œuvres par la présence de formes géométriques, qui m'aidaient à structurer l'espace et à organiser les éléments.
Progressivement, j'ai compris que je pouvais me détacher de ces repères sans perdre mon identité artistique. Cela a marqué une étape importante dans mon parcours.
Aujourd'hui, je n'ai plus besoin de tout contrôler pour me sentir à ma place dans une création. J'accorde davantage de confiance à mon instinct, à mes émotions et à cette liberté qui me permet de faire évoluer mon univers.
C'est peut-être ce que mes œuvres racontent aussi, au-delà de leurs couleurs et de leurs personnages : la possibilité de trouver son propre équilibre sans renoncer à sa singularité. On peut découvrir cette évolution dans mon parcours d'artiste à Paris.
Des projets actuels à l’hexagone de mes premières œuvres
**_Travaillez-vous actuellement sur un projet dont vous aimeriez parler ?_**
Je poursuis actuellement le développement de mon univers Pop Art et Street Art, avec l'envie de créer des rencontres toujours plus inattendues entre la culture populaire, les références artistiques et les symboles de notre époque.
J'aime particulièrement explorer la manière dont une image familière peut changer de sens lorsqu'on la confronte à un autre univers. Un personnage associé à notre enfance peut ainsi prendre une dimension complètement différente lorsqu'il rencontre les codes du luxe, du graffiti ou de l'histoire de l'art.
Je m'intéresse aussi aux possibilités offertes par le dialogue entre création numérique et peinture traditionnelle. Cette approche me permet d'imaginer de nouvelles compositions et d'explorer différentes manières de leur donner vie sur la toile.
Je souhaite également continuer à développer mes créations en volume, notamment à travers les sculptures et les objets revisités.
Plus qu'un projet unique, je vois cette période comme une étape d'affirmation de mon identité artistique, avec l'envie de continuer à surprendre tout en restant fidèle à mon univers.
**_Vous intégrez régulièrement l'hexagone comme motif graphique récurrent dans vos œuvres : que représente ce symbole pour vous et comment est-il devenu central dans votre démarche artistique ?_**
L'hexagone a effectivement occupé une place importante dans mes premières œuvres. À cette période, il représentait pour moi une manière de structurer le chaos, de trouver un équilibre entre la spontanéité de mes gestes et le besoin d'organiser l'espace pictural.
Sa forme géométrique, stable et construite, venait dialoguer avec des compositions beaucoup plus libres et instinctives. Cette opposition entre ordre et désordre m'intéressait particulièrement et m'a permis de développer progressivement mon propre langage artistique.
Mais ce qui est intéressant dans mon parcours, c'est que l'hexagone a fini par disparaître de mes réalisations. Depuis quelque temps déjà, je ne l'utilise plus dans mes nouvelles œuvres.
Avec le recul, je crois qu'il a simplement rempli son rôle. Il m'a aidée à comprendre comment faire coexister des éléments apparemment contradictoires et à trouver mon propre équilibre dans la composition.
Aujourd'hui, je n'ai plus besoin de cette structure pour construire mes tableaux. L'ordre et le chaos cohabitent plus naturellement dans mon travail.
L'hexagone appartient donc à mon histoire artistique. Il a été une étape importante, presque un passage nécessaire, vers la liberté créative et le style qui me caractérisent aujourd'hui.
Une fresque de la période où l’hexagone structurait les compositions de PVettese.
Techniques mixtes et énergie urbaine : de l’atelier aux murs de Paris
**_Votre pratique en techniques mixtes mêlant acrylique, aérosols, pastels gras et sculpture produit une énergie vibrante et spontanée ; pouvez-vous nous dévoiler comment vous choisissez entre ces médiums et comment ils s'articulent dans votre processus créatif ?_**
J'aime explorer différentes techniques et faire dialoguer des médiums qui, à première vue, peuvent sembler éloignés. Cette diversité fait partie intégrante de ma liberté créative.
Mon processus commence parfois directement sur la toile, mais il m'arrive aussi de travailler numériquement. Je dessine et imagine certaines de mes compositions dans un espace digital, avant de leur donner une existence physique.
Ces créations prennent alors forme à travers un travail de collage, que je viens ensuite enrichir et retravailler à la peinture acrylique. J'aime cette transformation progressive, ce passage d'une image initiale à une œuvre qui gagne en profondeur, en matière et en intensité grâce aux interventions manuelles.
Sur d'autres créations, notamment les grands formats, le numérique peut simplement servir de point de départ à une composition que je réalise ensuite entièrement à la main.
L'acrylique, l'aérosol, les pastels gras, les encres ou encore les marqueurs m'offrent chacun des possibilités différentes. Je choisis mes outils en fonction de ce que je souhaite exprimer et de l'énergie que je veux donner à l'œuvre.
Ce qui me passionne, c'est de ne jamais être limitée à une seule manière de créer. Le digital me permet d'explorer mes idées, tandis que le travail sur la toile introduit la matière, le geste, les ajustements et cette part de spontanéité qui rend chaque création singulière.
La sculpture prolonge cette même liberté dans le volume, en me permettant de réinterpréter des figures ou des objets autrement que sur une surface plane.
**_Installée à Paris et très présente sur la scène street art des lieux comme Spot 13 ou Les Frigos, en quoi l'urbanité parisienne et le bouillonnement culturel de la ville nourrissent-ils l'inspiration de vos créations ?_**
Paris est une ville qui m'inspire par ses contrastes, sa diversité et cette impression que plusieurs époques et plusieurs cultures s'y rencontrent en permanence.
J'aime particulièrement la place qu'y occupe l'art urbain. Un mur peut devenir un espace d'expression, se transformer au fil du temps, accueillir de nouveaux artistes et raconter quelque chose de notre époque.
Avoir participé à des projets artistiques dans des lieux comme Spot 13 ou Les Frigos a également nourri mon parcours. Ces expériences m'ont permis d'explorer une relation à l'art plus directe, plus spontanée et moins conventionnelle.
Ce qui me plaît dans le Street Art, c'est cette liberté de s'affranchir des règles, de faire coexister les couleurs, les mots, les images et les messages.
Cette influence se retrouve naturellement dans mes créations. Même lorsque je revisite un personnage populaire ou une référence au luxe, je conserve cette énergie urbaine, cette envie de superposer les univers et de faire dialoguer des codes visuels très différents. Je présente également cette facette de mon travail dans ma sélection Street Art.
Peinture en public — le geste pictural au contact direct de l’espace urbain.
Détourner les icônes, laisser place au regard de chacun
**_On retrouve dans votre univers des clins d'œil à la culture populaire et aux marques de luxe, souvent traités avec humour et décalage ; que cherchez-vous à provoquer ou à questionner auprès du public à travers ces détournements ?_**
J'aime jouer avec les images qui font partie de notre mémoire collective, celles qui ont accompagné notre enfance ou qui occupent aujourd'hui une place importante dans notre société.
Associer un personnage populaire à une marque de luxe, à un symbole de réussite ou à une référence artistique crée un décalage qui m'amuse beaucoup. Mais derrière cet humour, il existe aussi une réflexion sur notre rapport aux images, à la consommation et à la valeur que nous accordons aux choses.
Je trouve intéressant de confronter l'innocence de certains personnages aux codes d'un monde adulte parfois dominé par l'apparence, le désir ou la recherche de réussite.
Il y a une forme de contradiction dans ces rencontres, et c'est justement ce qui m'inspire.
Je ne cherche pas systématiquement à dénoncer ou à imposer un message. Je préfère laisser chacun libre de son interprétation.
Certaines personnes y verront de l'humour ou de la nostalgie, d'autres une certaine ironie sur notre époque. J'aime cette pluralité de regards.
Pour moi, une œuvre peut être joyeuse, accessible et visuellement séduisante tout en invitant à une réflexion plus profonde.
**_Engagée dans des causes environnementales et sociales grâce à votre participation à des projets caritatifs, en quoi cet engagement influence-t-il vos choix artistiques et les thèmes que vous explorez aujourd'hui dans votre travail ?_**
Je suis profondément sensible à la dimension humaine de l'art et à sa capacité à créer des liens, à transmettre des émotions et à rassembler des personnes autour d'une cause.
Participer à des initiatives solidaires donne un autre sens à ma démarche artistique. Cela me rappelle qu'une œuvre peut avoir une portée qui dépasse sa présence dans une galerie ou chez un collectionneur.
Les questions sociales et environnementales me touchent, notamment parce qu'elles nous interrogent sur notre manière de vivre ensemble, notre rapport aux autres et au monde qui nous entoure.
Pour autant, je ne souhaite pas transformer systématiquement mes œuvres en messages militants.
Mon univers s'exprime avant tout à travers la couleur, l'humour, le détournement et les émotions. Je crois qu'il existe différentes manières de faire réfléchir ou de sensibiliser, parfois simplement en surprenant ou en proposant un autre regard sur ce qui nous semble familier.
J'aime cette idée que l'art puisse à la fois apporter de la légèreté, susciter une émotion et, à sa manière, contribuer à quelque chose de plus grand.
Questions fréquentes
Qui est PVettese ?
PVettese est le nom d’artiste de Priscilla Vettese, artiste plasticienne à Paris. Elle mêle peinture, techniques mixtes et références à la culture populaire et au Street Art.
Quelles œuvres sont présentées dans son interview Singulart ?
Priscilla Vettese évoque notamment Pop Toy Venus et Liberty Fury comme deux créations représentatives de son approche artistique.
Où lire l’interview originale publiée le 6 novembre 2026 ?
L’entretien publié sur le blog de Singulart m'a offert l'occasion de raconter ce qui relie mes premières compositions géométriques à mon travail actuel : la recherche d'un équilibre entre structure, émotion et liberté.
Merci à l'équipe Singulart pour cet échange. Les informations sur les projets et les œuvres correspondent à la date de l'interview du 6 novembre 2026 et peuvent évoluer.
Mise à jour éditoriale : 8 novembre 2026.
Pour découvrir mes oeuvres, rendez-vous dans la rubrique toutes les œuvres.
Découvrir mes œuvres uniques ou retrouver le texte original de cet entretien.
